The Maze Runner (2014). Más sagas juveniles

De James Patterson, llega a las librerías este nuevo bestseller juvenil acerca de una sociedad utópica y futurista, donde un puñado de chicos son enviados a sobrevivir en un lugar extraño, rodeado por un enorme laberinto y criaturas de lo más extrañas, sin recordar apenas mas que su nombre. Se verán obligados a vivir de la naturaleza, y empleando sus mejores habilidades, hasta la llegada de Thomas, y de otra chica, quienes serán portadores de un mensaje que cambiará todo, pues será él el indicado para resolver el misterio de por qué están ahí y qué es es el lugar en donde los tienen recluidos, y convertirse en un corredor del laberinto.

Animados por encontrar a la nueva gallina de los huevos de oro, esta vez de la mano de la 20th Century Fox y Wes Ball, cuyo debut en pantalla grande le ha valido ser elegido para dirigir la secuela, próxima a estrenarse en el transcurso de 2015. El Corredor del Laberinto es una adaptación para fans, pues por mucho que los puristas se quejen de los cambios que han introducido en el largometraje, no sirve para atrapar a muchos más fans a la historia, al menos no durante la mayor parte de la película. Es hasta la secuencia final, cuando parece que toma ritmo y abruptamente termina con una frase que, obviamente, deja enganchado para esperar la secuela.

No podemos criticar el libro pues no lo hemos leído, pero lo poco que vimos, realmente parece que este tipo de filmes "arriesgados" necesitan un poco más de talento. Por que el actor principal, Dylan O Brien no conecta, no transmite nada, y el resto del elenco (bastante desconocido, por cierto), tampoco aporta nada al género. Plana, aunque con tomas bastante bien logradas con ayuda de los efectos especiales, la historia de The Maze Runner guarda lo mejor para la segunda parte. Al menos
eso esperamos.

Calificación:

Mapa A Las Estrellas (Maps To The Stars). Ladrones de la fama

Si algo ha caracterizado a David Cronenberg, es esa crítica sutil (y a veces no tan sutil) del comportamiento de los "famosos". desde burlas, sátiras y críticas de todo tipo, el realizador tiene en su haber varias películas (muy buenas) que de una u otra manera se acercan al tema.

Ahora, con Mapa A Las Estrellas, explora la vida de Havana Segrand (una fabulosa y renacida Julianne Moore), una actriz de segunda que vive más de la fama de su madre que por lo que ha hecho ella misma. Es así que, mientras planean hacer un reboot de la película que hizo a su madre famosa, pelea por el papel, mientras que su asistente Agatha Weiss (Mia Wasikowska) recorre las calles de los ángeles en medio de un drama pasado familiar que tendrá duras consecuencias.

Dentro de las obras de Cronenberg, muchos sugieren que es de las más flojas. Honestamente no podemos opinar mucho sobre ese tema, pues no hemos visto demasiado de la filmografía del canadiense. Lo que si podemos decir es que esa crítica se termina por volver repetitiva. Ya sabemos los excesos, sabemos que muchos abusan de sustancias, abusan de personas y tienen costumbres extrañas. Contar una tragedia familiar en este ambiente puede ser innovador, pero termina por perderse en un laberinto de referencias actuales y no tan actuales. Tantas conexiones y personajes resultan complicadas y pareciera un enorme teatro

griego con tantas tragedias. ¿Es que todos tienen que sufrir para generar empatía?

Recomendable sólo para quienes gusten de Cronenberg

Calificación:

Grandes Ojos (Big Eyes). Cuando la fama lo es todo

Tim Burton se ha caracterizado siempre por presentar historias con una particular visión. Gótico, de historias dramáticas y hasta cierto punto melancólicas, su visión del mundo es única y es totalmente reconocible en cualquiera de sus filmes.

Pero Big Eyes pareciera ser la excepción. Margaret (Amy Adams) es una pintora con un enorme y particular talento: hacer retratos de niños con los ojos enormes y expresivos. Pero como muchos otros artistas, ese talento no es suficiente para ser reconocida. Es hasta que conoce a Walter (un fabuloso Christoph Waltz), un pintor de calles, que logra alcanzar la fama, el éxito y el reconocimiento. Pero no todo es lo que parece, pues aunque sea rica y famosa, un oscuro secreto será revelado.

Basada en la historia real de Margaret, Big Eyes es una bella película biográfica que saca a relucir el talento de Adams, pero sobre todo la dulzura y el encanto de Waltz. Nos sorprende que en la pasada edición de los oscar haya sido completamente borrada, especialmente en el apartado de actuación, donde este par logra una enorme química. Y hay que decirlo, el filme tiene demasiados altibajos en el guión que solo estos dos logran hacer atractiva la puesta en escena. Se nota que, en realidad, Burton solo iba a ser el productor, pues no es su estilo y hasta se nota incómodo en la guía de la película. Solo es en la escena climática en cierto cuarto "caliente" donde sale a relucir su verdadero yo.

Entretenida para aquellos que gustan del arte y que desean ver un buen duelo actoral con pintas de telefilme.

Calificación:

El Destino de Júpiter (Jupiter Ascending). DNA todo poderoso que estás en el universo

Los Wachowski saben hacer películas que de una u otra manera generen polémica. Tanto por su contenido como por que dividen a las audiencias entre quienes los aman y quienes los detestan por considerarlos pretencioso y absurdos. Yo entro en el primer grupo. Si bien su mayor pecado se llama Matrix Revoluciones, desde entonces, sus filmes son inteligentes y destinados a algo más que entretener: a pensar.

Cualquiera que diga que los Wachoski venden "filosofía barata" será por que en su vida han agarrado un libro de filosofía. Y no, no creemos que en sus películas escriban obras de la talla de Nietszche o compañía, pero si creemos que más que entretenimiento, consideran que los espectadores son inteligentes. Por eso no necesitan una explicación completa (y que puede terminar rayando en lo absurdo cuando se intenta) y dejan que la gente encuentre la mejor explicación. Jupiter Ascending es lo mismo: crean una mitología que no necesitan explicarte totalmente de donde viene o como funciona. Solo dejan las pistas más básicas para poderle entender.

Jupiter Jones (Mila Kunis) es una chica huérfana de padre que se ve obligada a trabajar como sirvienta, hasta que unos seres extraños intentan asesinarla. Es cuando entra en escena Caine (Channing Tatum), un guerrero alterado genéticamente, contratado para protegerla y descubrir que ella es en realidad la reencarnación de la jefa de la familia Abrasax, dueña de la mayor parte del

universo.

Si hablamos de reencarnación, no es la filosofía de el alma. Es de los genes. Y acá entra una base más científica: cuando jugamos con los genes y nos damos cuenta de que, en verdad, con tantos planetas, en un universo tan amplio y con tanta gente, ¿no puede la genética arrojar los dados y encontrar el mismo arreglo dos veces?

Blockbuster entretenido, visualmente impactante y con un soundtrack, cortesía de Michael Giacchino, que se coloca como uno de sus mejores trabajos.

Calificación:

Oscar 2015: Boyhood

Boyhood
Dir. Richard Linklater

Nominada a: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (Ethan Hawke), Mejor Actriz de Reparto (Patricia Arquette), Mejor Guión Original, Mejor Edición

Debió ser nominada a: Nada extra

Veredicto: En una de las ceremonias más cerradas de los últimos años, parece que las categorías principales de Director y película son las más difíciles de predecir. Si algo tiene seguro Boyhood es el triunfo de Patricia Arquette. De edición también pareciera tenerlo asegurado pues editar algo durante 12 años no es cosa sencilla. En cuanto a director y película no nos atrevemos a asegurar nada, pero si creemos que ni esta ni Birdman van a ganar los dos, se lo van a repatir. Apostamos a Boyhood por director por el tiempo en el que no perdió el enfoque y lo que quería contar, pero nada más.

Richard Linklater es más que un director de Cine, es alguien que debería figurar en los libros de Récord Guiness por su enorme paciencia para hacer películas. Apenas el año pasado cerraba su trilogía "antes de" con Antes del Anochecer, en una trilogía que se llevó 20 años en filmarla (Antes del amanecer data de 1995), bajo la premisa de entender la madurez de un amor con el crecimiento de los mismos actores. Ahora, repite la misma fórmula en cuestión de tiempo. 12 años le ha costado grabar esta cinta que por fin ve la luz.

Boyhood no es mas que la sucesión de imágenes dentro de la vida de una pequeña familia, especialmente centrada en los niños. En una familia divorciada, Linklater encuentra el balance entre contar el crecimiento de los niños y las vivencias de los padres (unos fabulosos Ethan Hawke, quien ya había trabajado con el en la trilogía anteriormente mencionada, y Patricia Arquette que fue quien sufrió mas con las transformaciones físicas). Pero ahi es donde radica su mayor dificultad.

Filmar el crecimiento físico de los actores no es nuevo. Y sin ir más lejos, Harry Potter grabó durante casi 15 años 8 películas en las que vimos madurar no solo a 3 niños sino a casi todo el casting. Obvio, no se pueden comparar pues las temáticas son muy diferentes, pero a decir verdad, el filme no es mas que una sucesión de escenas con problemas sencillos. El divorcio de los padres y como lo enfrentan mientras pasan tiempo con uno y con otro es algo demasiado simple. Se podrían esperar pérdidas, adicciones, grandes riesgos, y la película se basa en 3 horas de momento tras momento totalmente intrascendente. Es cierto que lo único que busca es mostrar lo cotidiano, pero tampoco hay momentos que podamos decir que

"marcaron" la vida de los adolescentes, quienes por cierto, conforme avanza la película, se les nota que no saben actuar. Creo que para el tiempo de rodaje se debió buscar un poco de clases de actuación para mejorar todo esto.

Muchos quizá se sientan identificados y sientan que al ver el filme se ven reflejados en pantalla al crecer. Pero no solo se trata de buscar que el espectador refleje su vida sino en proyectar algo más allá de lo común. Como experimento funciona muy bien, pues nadie se había atrevido a filmar una película tan larga sin perder de vista el guión y el objetivo (ya no digamos la edición), pero debe transmitir algo y no solo dejar que el espectador recuerde su propia vida y esperar que sea eso lo que le de vida al filme. Son 3 horas que terminan por ser pesados, tediosos, y aunque creemos que todos deberían verla por lo menos una vez para recordar los tesoros de la juventud, también creemos que definitivamente no es lo mejor del año y que está muy lejos de ser la maravilla de la que todos hablan.

Calificación:

Oscar 2015: Francotirador Americano (American Sniper)

American Sniper
Dir. Clint Eastwood

Nominada a: Mejor Película, Mejor Actor (Bradley Cooper), Mejor Guión Adaptado, Mejor Mezcla de Sonido, Mejor Edición de Sonido, Mejor Edición

Debió ser nominada a: Mejor Director 

Veredicto: De corte muy patriota, Francotirador llega para no dejar a nadie indiferente. En cuanto a premios, probablemente gane a mejor edición y mejor mezcla de sonido, pues los filmes bélicos tienden a ganar este tipo de premios. De las otras nominaciones, tiene pocas posibilidades ante sus competidoras. Justificamos que Clint Eastwood se haya quedado fuera de la carrera pues no es el único que lo merecía, pero solo son 5 nominados.

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

Del gran Clint Eastwood, que regresa al género bélico, nos llega American Sniper, protagonizada por Bradley Cooper y que cuenta la historia de Chris Kyle un francotirador que participara en la reciente invasión a Irak por parte del país de las barras y las estrellas, y que fuera considerado como uno de los mejores francotiradores en la historia.

Francotirador americano es un filme que ha tenido muchas críticas muy polarizadas. Mientras unos la califican de brillante, otros consideran que ese sentimiento patriótico es desbordante y hasta molesto. Incluso la polémica mención al bebé más falso en la historia de las producciones hollywoodenses (increíble que en una producción así se pierdan ese tipo de detalles, es obvio que no usarán un bebé real pero hay que disimular mejor).

Las escenas de guerra están bien logradas y el montaje de sonido es bastante épico, pero las escenas en casa se sienten fuera de lugar. Quizá, y sería un punto a su favor, es un reflejo del mismo Kyle: estar en casa era estar fuera de su zona de confort. Pero hay que decir que esa falta de ritmo es lo que termina enterrando al filme. Y el final, sin duda, queda mucho a deber.

Ahora, mención aparte necesita Cooper. Muchos aseguran que es el mejor actor de su generación. Como dato curioso, es su tercera nominación en fila al mejor actor protagónico, y si el próximo año resulta nominado de nuevo, empatará el récord de Marlon Brando con 4 al hilo. Hay que remarcar específicamente en este filme que su transformación física es remarcable. Pero es discutible la calidad que lo ha llevado a ser considerado por la estatuilla (aunque no ganará).

American Sniper es un filme recomendable sí, pero hay que tomar con cautela todo el sentimiento patriótico que se maneja. pero vamos, sabemos que así son los norteamericanos, y si no nos ponemos quisquillosos en esos temas extra-pantalla, seguro estaremos ante un filme bastante disfrutable.

Calificación.

Oscar 2015: Inquebrantable (Unbroken)

Unbroken
Dir. Angelina Jolie

Nominada a: Mejor Fotografía, Mejor Edición de Sonido, Mejor Mezcla de Sonido

Debió ser nominada a: Nada extra

Veredicto: En términos cinematográficos, la película de Jolie es muy agradable visualmente, pero nada más. Y de hecho, tampoco ganará nada puesto que hay mejores en esas categorías.

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

Dicen que cuando se es actor y posteriormente se sientan en la silla del director, se tiene una mejor perspectiva de lo que se quiere contar y cómo se quiere contar. Casos hay muchos y varios de ellos resultan con buenas críticas en sus filmes, pero siempre hay sus excepciones y este es uno de ellos.

De Angelina Jolie, Inquebrantable cuenta la historia de Louis Zamperini, atleta norteamericano de orígen italiano que participó en los juegos olímpicos de Berlín 1936, pero que posteriormente fue reclutado por el ejército para ir a pelear en la segunda guerra mundial. Como nota curiosa, el señor Zamperini fue gran amigo de Jolie en sus últimos años de vida, razón por la cuál decidió hacer un filme de su vida a modo de homenaje y contar "la historia nunca antes contada". Ya sabemos que sucede con estas películas.

Llena de momentos de superación, drama y dolor, Zamperini, interpretado por Jack O Connell (300, ´71), quien al entrar en combate naufraga y es capturado por el ejército coreano, donde es sometido a varias torturas. De ahí viene el título de Invencible. Y la película podría funcionar de no ser por que hay varios momentos en la cinta, en la que Jolie pierde la mano. Se nota que necesita experiencia para contar este tipo de historias, pues hay que saber que cortar, que añadir y que dejar tal y como está para hacer un

verdadero relato de superviviencia.

La imágen promocional del poster (esa donde sostiene un tronco por encima de su cabeza) sucede a los minutos finales del filme, después de largas y aburridas sucesiones de historias sin principio ni fin. Tanto el naufragio en el mar como la estadía en el campo de concentración son totalmente faltos de ritmo, que para el momento en el que llegamos a lo que de verdad importa, ya queremos salirnos de la sala.

A pesar de todo, a destacar su fotografía que es muy buena (no por nada obtuvo nominación) y el soundtrack que tiene pasajes interesantes.

Calificación:

Oscar 2015: Alma Salvaje (Wild)

Wild
Dir. Jean-Marc Vallée

Nominada a: Mejor Actriz (Reese Whiterspoon), Mejor Actriz de Reparto (Laura Dern)

Debió ser nominada a: Nada extra

Veredicto: Whiterspoon obtiene una nominación bien merecida aunque no ganará nada. Y en cuanto a Dern, creemos que sale sobrando en la terna, pues su trabajo se limita a unas cuantas escenas sin mucho valor. Pero algo vieron "los que saben" que aparece ahí, aunque igual sin oportunidades

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

De Jean-Marc Vallée, que el año pasado nos deleitó con Dallas Buyers Club, este año nos presenta Wild, una historia sobre la introspección, la naturaleza y el deseo de dejar el pasado atrás. Protagonizada por Reese Whitesrpoon. En esta historia, Cheryl (Whiterspoon) decide iniciar una caminata a través de un paraje, famoso entre los caminantes, de 1000 millas, ella sola y su conocimiento de la naturaleza, como medio para evadirse de todo. La muerte de su madre, los problemas con su esposo y su propia decepción de la vida.

El filme queda un poco a deber en cuanto a los motivos. Aunque los de la madre (Laura Dern) quedan claro,s los del marido no quedan definidos y pareciera poco probable sobrevivir a un viaje como ese si se tiene una inexperiencia en la materia. Vamos, no cualquiera puede iniciar una caminata de casi un mes con la determinación necesaria, pero para completarlo, hace falta mucho más que eso.

Personalmente, cada año inicio una caminata de dos días a un santuario con la familia de mi esposa, tradición que lleva en esa familia 30 años. Y aunque sean solo dos días de caminata, el cansancio pesa. A pesar del tiempo y del conocimiento, siempre existen imprevistos, aunque el viaje en si es una experiencia reconfortante para deshacerse un rato del estrés y la presión de la ciudad. Es por ello que, al ver este filme, inevitablemente recuerdo ese viaje y entiendo el proceso espiritual por el que uno atraviesa. Por estas razones, Vallée me ha desencantado aún más, por el poco realismo que se imprime a la historia. Acampar, comer al aire libre y encontrar otros caminantes nunca es cosa sencilla, y aquí nunca se pierde el glamour. Nunca tiene uno la

sensación de estar caminando, lejos de la civilización y en compañía de uno mismo. La actuación de Whiterspoon no es mala, pues es quien está el mayor tiempo en pantalla, pero los secundarios como Dern quedan muy olvidados y creemos que para una nominación a actriz secundaria le faltaba mucho más (incluso en Bajo la Misma estrella, drama juvenil, tiene más peso que acá).

Para la joya que nos regaló, especialmente en cuanto a actuaciones se refiere, Wild queda muy lejos de lo que se pretende: una experiencia de vida en compañía de la naturaleza.

Calificación: 

Oscar 2015: Selma

Selma
Dir. Ava DuVernay

Nominada a: Mejor Película, Mejor Canción Original "Glory"

Debió ser nominada a: Nada extra

Veredicto: Mucho se habló de la injusticia de la academia al no tener a ningún afroamericano en las categorías principales, salvo a mejor película y canción. Como dato cultural, la presidenta de la academia para este año es de raza negra. Si no salieron nominados ningún actor es por que en verdad no lo merecían, y este filme, que parecía ser su mejor arma, resulta bastante aburrido y repetitivo, por no decir malo para aspirar a una nominación. Incluso podríamos decir que esa nominación a mejor película está de más, habiendo mejores que quedaron fuera de la competencia. Su única aspiración es ganar a mejor canción, donde casi lo tiene en la bolsa

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

Como todas las guerras civiles, la de Estados Unidos tiene una y otra vez proyecciones de películas que intentan contar a su manera lo ocurrido. Sin embargo, es precisamente del país con mayor difusión del que recibimos más noticias. Selma es el nombre de un pequeño pueblo en Alabama, donde Martin Luther King Jr. enfocó los pasos finales de su lucha por los derechos civiles de las personas de raza negra.

Ava DuVernay dirige con mano inexperta los pasos de Luther King Jr (David Oyelowo), y se enfoca en lo ocurrido en el pueblo de Selma, sin querer ir más allá y narrar toda la vida del importante luchador civil. Esto es un acierto, pues en las dos horas que dura el filme, cuenta lo que tiene que contar y no intenta narrar toda una vida y volverla aburrida. Sin embargo, por eso mismo es por lo que falla: le cuesta mucho trabajo encontrar su propio ritmo. Tiene momentos emotivos, es cierto, pero fallan muchas cosas, empezando por cambiar los discursos más representativos que son precisamente de esta época, y esto tiene que ver con que la familia de Luther King que aún vive, son quienes poseen estos derechos y no quisieron prestarlos para el filme. La esencia se mantiene, pero uno espera encontrar esas frases icónicas que marcaron a la historia.

Ahora bien, Oyelowo está correcto pero no sorprende. No imprime esa fuerza de líder que sí tenía King Jr. y ahi es donde se cae todo. Los personajes secundarios son muy secundarios, y aunque creemos que muestra el nivel de violencia necesario sin caer en la exageración, también necesita un poco más de contexto histórico. Su fortaleza que habíamos mencionado, de centrar toda la historia en unos

pocos días, es también su mayor falla, pues pareciera que quedan muchos cabos sueltos. Si no concen la historia de lo que de verdad pasó en Selma y en el país en general en esos años, se pierde mucha información.

Y para ser honestos, al igual que nos pasa con la segunda guerra mundial, ver dos o tres películas por año con las mismas historias termina por cansar. Es cierto, pobre gente, sufrió mucho, pero ya nos cansamos de ver más de lo mismo.

Calificación:

Oscar 2015: Primicia Mortal

Nightcrawler
Dir. Dan Gilroy

Nominada a: Mejor Guión Original

Debió ser nominada a: Mejor Película, Mejor Actor (Jake Gyllenhall), Mejor Actriz De Reparto (René Russo), Mejor Director, Mejor Edición 

Veredicto: De las ninguneadas injustamente por la academia, Nightcrawler es una ópera prima entretenida y bastante intensa. Sólo se ha llevado una nominación a guión original, que seguramente perderá, pero debió haber tenido más menciones, especialmente para Gyllenhall que logra quizá su mejor trabajo en la industria.

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

Louis Bloom es un hombre como cualquier otro en New York, en busca de un trabajo. Es cuando presencia un accidente y aprende lo que significa grabar las noticias y venderlas, que comienza su jornada por convertirse en el primero en cada escena criminal. Sin embargo, sus pocos escrúpulos, lo harán cruzar la línea de lo moral y lo ético.

Con una intrépida dirección de Dan Gilroy, sorprende que sea su debut detrás de la cámara, pues la manera en la que está contada la historia parece incluso de una mano experta. Y ni se diga de la actuación de Gyllenhall que ya había venido soprendiendo al mundo con Enemy, demostrando que es más que un héroe de acción o una cara bonita. El cambio físico y la tensión a la que se ve sometido, reflejando la locura interna es sorprendente y resulta increíble e injusto que no lo hayan tomado en consideración para por lo menos una nominación al oscar.

Durante todo el filme, se muestra no solo la violencia la que se ve sometida la sociedad, sino la misma manipulación de los medios. Es cierto que hay gente honesta que hace su trabajo y se compromete con la veracidad de la información, pero otros lo hacen por vender. En la actualidad, llegar a las noticias es cuestión de un click o un touch en el celular, y cualquiera con un teléfono a la mano que esté en el momento oportuno puede grabar el momento exacto de la noticia. Pero hay que ver las maneras, y acá Gyllenhall en un estado de locura reflejada a la perfección en el rostro, hará todo lo posible por convertirse en el freelance mejor pagado de la

historia.

Desafortunadamente, pareciera que a los señores de la academia no les ha gustado nada este trabajo, regalándole a este filme (mejor que muchos de los que están en la competencia) una sola nominación. Pero nosotros creemos que todos deberían darle una oportunidad y no saldrán decepcionados.

Calificación:

Oscar 2015: El Juez (The Judge)

The Judge
Dir. David Dobkin

Nominada a: Mejor Actor de Reparto (Robert Duvall)

Debió ser nominada a: Nada extra 

Veredicto: Duvall está nominado por su excelsa trayectoria y por ser lo rescatable de este filme. Nada más que decir

(Reseña originalmente publicada en La Cinerata)

David Dobkin es más bien conocido por hacer comedias (los caza novias, Si Fueras yo, El Hermano de Santa) que por hacer drama. Por eso resulta extraño dirigir un filme con tintes oscuros con actores de la talla de Robert Duvall y Robert Downey Jr. Pero sabemos que el drama no es un género nada fácil y se nota por todos lados.

La historia es simple, va de un abogado, Hank Palmer (Downey Jr.) con tintes de Iron Man y Sherlock mezclados en un mundo más contemporáneos, es un brillante abogado que regresa a su tierra natal para el funeral de su madre. Es ahi cuando se entera que su padre, el respetable juez Palmer, ha sido acusado de asesinato. Deberán superar sus diferencias si quieren trabajar juntos y salir libres de los cargos.

Su larga duración (2 horas y 30 minutos) la hacen pesada y soporífera. Pareciera que a Downey Jr. ya se le olvidó que posee el suficiente talento para entregar actuaciones dignas y sus últimas ocasiones ha interpretado al mismo personaje pero con diferentes máscaras: Palmer es una mezcla entre el extraño Tony Stark y el inteligente Sherlock Holmes. La película recae en el grandísimo talento de Duvall que le ha merecido una nominación a mejor actor de reparto en los oscar, pero el guión tiene tantos huecos y fallos que es difícil tomar en serio un filme así. Y ojo, que la historia podría ser buena, pues un juez intachable y de larga carrera de repente se ve acusado de
asesinato en un pequeño pueblo justo después de la muerte de su esposa. Pero como lo hemos

mencionado antes, el dirigir drama no es nada fácil y no cualquiera lo puede hacer, y Dobkin sale mal parado de su primer acercamiento al género.

Calificación: